martes, 31 de mayo de 2016

Del 24 de febrero al 23 de marzo de 1973 Killing me softly with his song / Roberta Flack


Uno de los momentos históricos del año 1973 fue el que transcurrió a lo largo de las 4 semanas en las que Roberta Flack resultó imbatible en el HOT100 consiguiendo y manteniendo el nº 1 de la lista con una canción que ha pasado a ser un tema intemporal que se escucha hoy con el mismo deleite que el día de su estreno, "Killing me softly with his song".

«Killing Me Softly with His Song» (en español: «Matándome suavemente con su canción») es una canción compuesta en el año 1971 por Charles Fox y Norman Gimbel. Se inspira en el poema de Lori Lieberman, «Killing Me Softly with His Blues», quien lo escribió después de ver interpretar la canción «Empty Chairs» al entonces desconocido Don McLean (quien luego se haría famoso con su éxito «American Pie»).

La primera versión de este tema fue la que hizo la propia Lieberman, en el mismo año en que fue compuesta. Sin embargo, dos años después, Roberta Flack interpretaría una nueva versión que la convertiría en un gran éxito, gracias a la cual ganaría tres Grammy.

Otros muchos artistas han versionado el tema, entre los que se encuentran Shirley Bassey, Lauryn Hill con los FugeesPerry ComoAlicia Keys, Carly Simon, Toni Braxton o Leah McFall.

Este tema ha sido también versionado en español por varios artistas. En EspañaTino Casal hizo una versión española de la canción, titulada «Tal como soy», y Pitingo hizo una versión en español que conserva el estribillo en inglés llamada «Killing Me Softly With This Song». 

En México fue el Grupo Pandora el que la versionó con su «Mátame muy suavemente», y en Argentina y Cuba, fueron Sergio Denis y JAF y Omara Portuondo quienes lo hicieron con «Matándome suavemente».

Aquí está la letra de esta canción sin igual, en español:

Removiendo mi dolor con sus dedos
cantando mi vida con sus palabras,
matándome suavemente con su canción,
matándome suavemente con su canción,
Contando toda mi vida con sus palabras,
matándome suavemente con su canción.

Me dijeron que cantaba una buena canción.
que la cantaba con estilo,
así que vine a ver y escucharle un rato.
Y ahí estaba él, como un joven niño,
un extraño a mis ojos.

Removiendo mi dolor con sus dedos
cantando mi vida con sus palabras,
matándome suavemente con su canción,
matándome suavemente con su canción,
Contando toda mi vida con sus palabras,
matándome suavemente con su canción.

Me sonrojé tanto hasta sentir fiebre,
avergonzada entre el público,
parecía haber encontrado mis cartas
y que las leía en voz alta.
Pedía a Dios que acabara por fin,
pero él seguía con ello.

Removiendo mi dolor con sus dedos
cantando mi vida con sus palabras,
matándome suavemente con su canción,
matándome suavemente con su canción,
Contando toda mi vida con sus palabras,
matándome suavemente con su canción.

Cantaba como si me conociera
en todas mis penurias.
Y luego miró justo a través mío
como si yo no estuviera presente.
Y continuó cantando
cantando claro y fuerte.

Removiendo mi dolor con sus dedos
cantando mi vida con sus palabras,
matándome suavemente con su canción,
matándome suavemente con su canción,
Contando toda mi vida con sus palabras,
matándome suavemente con su canción









lunes, 30 de mayo de 2016

Del 3 al 23 de Febrero de 1973 Crocodile Rock / Elton John


Ya os lo adelantábamos ayer... bajó del número 1 Stevie Wonder y le pasó el testigo a Elton John, que en aquel principio de 1973 consiguió mantener su "Crocodile rock" tres semanas en el primer lugar de la lista del HOT100.

 «Crocodile rock» es un sencillo del músico británico Elton John, que fue lanzado el 27 de octubre de 1972 en el Reino Unido y el 20 de Noviembre en Estados Unidos.
Incluida en el exitoso LP "Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player", se considera una de las mejores canciones escritas por Elton John y Bernie Taupin, y es una de las más famosas de su autoría. 

La historia de esta canción empieza en 1972, cuando Elton John se encontraba de gira por Australia. Durante su estadía allí se impactó al escuchar las canciones de una banda local llamada Daddy Cool quienes estaban en su mejor momento con su sencillo "Eagle rock".

Tras escuchar la canción en una emisora de radio, Elton John se dirigió a la tienda de discos más cercana y compró el disco de los Daddy Cool. Fue tanto su entusiasmo que Elton fue a un concierto de los Daddy Cool en Melbourne, con el fin de buscar inspiración para sus futuras canciones.

En junio de ese año Elton John decide empezar a grabar su nuevo material junto a Bernie Taupin en los Strawberry Studios. Fue en esas sesiones en que ambos compositores dieron vida a “Crocodile rock”, la cual estaba inspirada en los acordes de los Daddy Cool. Entre otras fuentes de inspiración se hallan las canciones "Little Darlin" de The Gladiolas y Speedy Gonzalez de Pat Boone.

Con cierto aire nostálgico, "Crocodile rock" cuenta la historia de un joven que durante los 50s y 60s frecuentaba un bar donde disfrutaban el Crocodile rock, un estilo de baile muy distinto a los que sonaban en la radio esos días, como por ejemplo, el Rock around the clock. Con el paso de los años este estilo como muchos otros fue olvidado. 



domingo, 29 de mayo de 2016

Del 27 de enero al 2 de febrero de 1973 Superstition / Stevie Wonder


Los inicios del 73 fueron esplendorosos, subiendo al número 1 del HOT100 a Carly Simon, después a Stevie Wonder y más tarde a Elton John... pero no adelantemos acontecimientos y quedémonos en éstos siete días en los que "Superstition" de Stevie Wonder se hacía con el más alto lugar del ránking.

Y en este caso, y ya que ésta canción tiene una interesante historia detrás, historia ligada a Motown, a Jeff Beck, al propio Wonder, os queremos dejar un enlace a una de las páginas más interesantes cuando se trata de conocer detalles, curiosidades, anécdotas e historias de canciones famosas.
Allí podréis leer, de la mano del creador del blog, todo lo que puede ser interesante sobre éste soberbio Nº1 de Billboard en 1973.

En "Historias de una canción" lo tenéis todo gracias a su máster Jimmy_Jazz.
Y aquí la interpretación de Stevie Wonder en 1973, un video que nos retrotrae a otra época.








viernes, 27 de mayo de 2016

Del 6 al 25 de enero de 1973 You're So Vain / Carly Simon


Como decíamos en la anterior entrada, hemos llegado al año 1973, año en el que entramos de la mano de Billy Paul ocupando el Nº1 del HOT100 de Billboard, que le cedió el primer lugar del ranking a Carly Simon, que se mantuvo imbatible durante 3 semanas con una canción que es tan conocida por su música como por su letra y la incógnita que durante mucho tiempo escondió, "You're So Vain".

"You're So Vain" es una canción escrita e interpetada por Carly Simon, que la grabó en Noviembre de 1972.
La canción es una crítica a alguien que se quiere tanto a sí mismo, que es tan vanidoso, que Carly Simon le dice cantando: "...eres tan vanidoso que probablemente pensarás que ésta canción habla de tí...".
Durante años se especuló con la posible identidad de la persona a la que se dirigía esa letra envenenada, hasta que la propia artista manifestó que no era una sola persona sino tres las que estaba nombrando y desveló el nombre de uno de esos "vanidosos": el actor Warren Beatty.

Pero si llegados a este punto cerráramos aquí el tema, os estaríamos haciendo un resumen tan breve como incierto sobre todo lo que sucedió durante años alrededor del secreto que escondía la canción, así que os vamos a dejar un par de enlaces a páginas donde se habla largo y tendido de ésta historia con todo tipo de detalles que seguro os interesarán:

http://www.margencero.com/Magazine/carly/carly_entrada.htm

http://www.efeeme.com/la-cara-oculta-del-rock-el-misterioso-y-vanidoso-amante-de-carly-simon/

Por supuesto, vamos allá con la letra de la canción en castellano:

Caminabas por la fiesta
Como si estuvieras caminando hacia un yate
Tu sombrero estratégicamente ladeado
Tu chalina, de estilo africano
Te mirabas de reojo en el espejo
Y todas las chicas soñaban con ser tu pareja
Ellas serían tu pareja y tú…

Eres tan vanidoso
Probablemente pienses que esta canción es sobre ti
Eres tan vanidoso
Apuesto que piensas que esta canción es sobre ti
¿No es así?, ¿No es así?

Oh me tuviste hace varios años
Cuando yo todavía era bastante ingenua
Dijiste que haríamos una linda pareja
Y que nunca te irías
Pero abandonaste las cosas que amabas
Y una de ellas era yo
Yo tenía algunos sueños, había nubes en mi café
Nubes en mi café, sí,

Eres tan vanidoso
Probablemente pienses que esta canción es sobre ti
Eres tan vanidoso
Apuesto que piensas que esta canción es sobre ti
¿No es así?, ¿No es así? ¿no es así?

Yo tenía algunos sueños, había nubes en mi café
Nubes en mi café, sí,

Eres tan vanidoso
Probablemente pienses que esta canción es sobre ti
Eres tan vanidoso
Apuesto que piensas que esta canción es sobre ti
¿No es así?, ¿No es así?

Supe que te habías marchado a Saratoga
Y tu caballo naturalmente ganó
Luego hiciste volar tu belleza hacia Nueva Escocia
Para ver el eclipse total del sol
Siempre estás donde sabes que tienes que estar
Y cuando no, estás con
Algún espía del hampa o la esposa de un amigo íntimo
La esposa de un amigo íntimo

Eres tan vanidoso
Probablemente pienses que esta canción es sobre ti
Eres tan vanidoso
Apuesto que piensas que esta canción es sobre ti
¿No es así?, ¿No es así? ¿No es así?

Eres tan vanidoso
Probablemente pienses que esta canción es sobre ti
Eres tan vanidoso
Probablemente pienses que esta canción es sobre ti
Eres tan vanidoso, tan vanidoso, tan vanidoso










miércoles, 25 de mayo de 2016

Del 16 de diciembre de 1972 al 5 de enero de 1973 Me and Mrs.Jones / Billy Paul


Cerramos el año 1972 y le damos la bienvenida a 1973 y lo hacemos con la voz de un hombre de color, cantante de soul, Billy Paul, que estuvo tres semanas en el Nº1 de Billboard con una canción que enamoró en aquellas Navidades y Año Nuevo a todo aquel que la escuchó: Me and Mrs.Jones.

Billy Paul comenzó su carrera musical a los doce años apareciendo en emisoras de radio locales de Filadelfia. Escuchando discos que su madre compraba desarrolló un estilo vocal con raíces en el jazz, el R&B y elpop.

Paul asistió a la escuela de música de West Filadelfia para completar su formación en técnica vocal. Por esa época empezó a ser conocido en el circuito musical de su ciudad, apareciendo posteriormente en clubs y campus universitarios a nivel nacional. Esto le permitió estar en concierto con figuras como Charlie ParkerDinah WashingtonNina SimoneMiles DavisThe ImpressionsSammy Davis, Jr. y Roberta Flack.

Paul formó un trío y grabó su primer disco, Why Am I, antes de ser llamado a filas. A su regreso se unió al sello New Dawn, quienes le pusieron en el grupo de Harold Melvin. Posteriormente grabó los álbumes Feeling Good at the Cadillac Club y Ebony Woman.

Luego vendría Going East, con el sello Philadelphia International Records, el cual le trajo más reconocimiento del público, pero no sería hasta 360 Degrees Of Billy Paul con el que lograría el éxito comercial y de crítica principalmente gracias a la canción «Me and Mrs. Jones».

«Me and Mrs. Jones» fue número uno del Hot 100 por tres semanas en 1972. Vendió dos millones de copias y le permitió a Paul ganar un premio Grammy en la categoría de intérprete masculino de R&B.

Billy Paul ganó premios Ebby en múltiples ocasiones, así como American Music Awards, y premios de la NAACP.

Murió el 24 de abril de 2016, a los 81 años de edad, debido a un cáncer de páncreas.




martes, 24 de mayo de 2016

Del 9 al 15 de diciembre de 1972 I Am A Woman / Helen Reddy


Imagino que a estas alturas todos habréis oído hablar de Helen Reddy, cantante, compositora, actriz que en los años 70 tuvo sus mejores éxitos y que en 1972 se alzó con el número 1 de la lista del HOT100 de Billboard con una canción que se convirtió en todo un himno, "I am a woman".
Os dejamos un breve sobre Helen Reddy y la historia de esta canción:


"I am a woman" es una canción escrita por la cantante y compositora australiano-estadounidense Helen Reddy y por Ray Burton.
La primera grabación de la canción apareció en el álbum debut de Helen Reddy,”I don’t know how to love him”,  publicado en mayo de 1971.

Una nueva grabación de la canción se publicó como single en mayo de 1972 y llegó a vender más de un millón de copias.
En realidad, la canción la compuso Helen Reddy pensando en una compatriota suya que había sido expatriada, la crítica de rock y pionera feminista Lillian Roxon.
La cantante buscaba una canción que hablara de la auto afirmación de las mujeres y su lucha en el movimiento feminista, pero no encontraba ninguna así que, según sus propias palabras“Me dí cuenta que la canción que buscaba no existía y tenía que escribirla por mí misma.”

El single salió a la venta el verano de 1972 y no tuvo demasiado éxito, pero unos meses después la canción “I am a woman” fue adoptada como himno feminista y empezó a escucharse insistentemente. 
Esto provocó que las emisoras de radio musicales la programaran con frecuencia, y empezó a entrar en las listas de éxitos llegando a conseguir el número 1 del HOT100 de Billboard además de ganar el PremioGrammy por la mejor interpretación vocal femenina.

En la ceremonia de entrega de premios Helen Reddy concluyó su discurso de aceptación del galardón dando gracias a Dios “porque ella ha hecho esto posible” (refiriéndose a Dios en femenino).

Antes de ver el video de Helen Reddy, os dejamos la letra de su canción en español:

Yo soy mujer, escúchame rugir
Son números demasiado grandes para ignorarlos
Y sé demasiado como para volver la espalda y fingir
Porque ya lo he oído todo tantas veces
Y he estado allí en el suelo
Nadie nunca me va a mantener de nuevo oprimida.

Oh sí, yo soy sabia
Pero es la sabiduría que nace del dolor
Sí, he pagado el precio
Pero mira lo mucho que he ganado
Si he de hacerlo, soy capaz de cualquier cosa
Soy fuerte (fuerte)
Soy invencible (invencible)
Soy una mujer

Podrán doblarme, pero nunca me romperán
Porque sólo servirá para hacerme
más decidida a lograr mi objetivo final
Y volveré más fuerte
Dejaré de ser una novata
porque habréis fortalecido la convicción en mi alma.

Yo soy mujer, obsérvame crecer
mírame, de pie, cara a cara
cómo extiendo mis brazos amorosos a todo el país
Pero sigo siendo un embrión
con un largo camino por recorrer
hasta que pueda hacer entender a mi hermano

Soy fuerte (fuerte)
Soy invencible (invencible)
Soy una mujer




Del 2 al 8 de diciembre de 1972 Papa Was A Rollin' Stone / The Temptations


Rozando la despedida del año '72 todavía nos quedan sorpresas que desvelar en la lista del HOT100.
La de ahora mismo es el número 1 conseguido por "The Temptations" con una canción soul que traspasó fronteras, geográficas, de edad y de gustos musicales para agradar aquí y allá, a unos y a otros y convertirse, con el paso del tiempo, en un clásico que todavía, hoy en día, suena como nuevo.
Una semana en el primer lugar en Billboard, "Papa Was A Rollin' Stone".

"Papa Was a Rollin 'Stone" es una canción soul, escrita por los compositores de Motown Norman Whitfield y Barrett Strong.

Esta versión de "Papa…" fue lanzada como sencillo a principios de 1972, y alcanzó el puesto número sesenta y tres en las listas de popularidad y el número veinticuatro en las listas de R&B.

Más tarde, en 1972, Whitfield, quien también produjo la canción, la reformó completamente haciendo una grabación de doce minutos que es el "Papa Was a Rollin 'Stone" de The Temptations, que fue un número uno en el Billboard Hot 100 y ganó tres premios Grammy en 1973.

Mientras la versión original de la canción ha sido olvidada, la versión de la canción de The Temptations ha sido un clásico soul duradero e influyente.

Ocupa el puesto #168 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, una de las tres canciones del grupo en la lista. 

Antes de ver el vídeo de la canción, hemos creído que os gustaría tener la letra de la canción en español:

Fue el 3 de septiembre.
Recordaré siempre ese día, sí.
Porque fue el día que mi padre murió.
Nunca tuve oportunidad de verlo.
Todo lo que escuché de él, era malo.
Mamá, dependo tanto de ti, dime la verdad.

Y mamá movió la cabeza, y dijo:
"Hijo, papá fue trotamundos.
Dondequiera que descanse,
su sombrero siempre fue su hogar.
(Y cuando murió) lo único que dejó
es a nosotros solos"
"Papá era un trotamundos, hijo mío.
Dondequiera que descanse,
su sombrero siempre fue su hogar.
(Y cuando murió) lo único que dejó
es a nosotros solos".

Bueno, bueno.
Oye, mamá, ¿es cierto lo que dicen?
¿Que papá nunca trabajó un solo día de su vida?
¿Y esa mala fama que se cuenta por la ciudad
que dice que papá tenía tres hijos
con otra mujer?
Y eso no está bien.
He escuchado que papá
hacía negocios sermoneando por ahí.
Hablando de salvar almas y viviendo del cuento.
Negociando con deudas
y robando en el nombre del Señor.

Y mamá movió la cabeza, y dijo:
"Hijo, papá fue trotamundos.
Dondequiera que descanse,
su sombrero siempre fue su hogar.
(Y cuando murió) lo único que dejó
es a nosotros solos"
"Papá era un trotamundos, hijo mío.
Dondequiera que descanse,
su sombrero siempre fue su hogar.
(Y cuando murió) lo único que dejó
es a nosotros solos".

¡Oh!
Oye, mamá, oí decir que papá
igualó una apuesta con una jota (poker).
Dime, ¿fue eso lo que le llevó a la tumba?
Se dice que quería pagar
sus deudas a cualquier precio.
Oye, mamá, la gente dice que papá
no pensaba mucho las cosas.
Que gastaba su tiempo
persiguiendo mujeres y bebiendo.
Mamá, eres tu quien me tiene
que decir la verdad.

Mamá elevó la mirada
con una lágrima en sus ojos, y dijo:
"Hijo, papá fue trotamundos.
Dondequiera que descanse,
su sombrero siempre fue su hogar.
(Y cuando murió) lo único que dejó
es a nosotros solos"
"Papá era un trotamundos, hijo mío.
Dondequiera que descanse,
su sombrero siempre fue su hogar.
(Y cuando murió) lo único que dejó
es a nosotros solos".
Te digo que papá fue trotamundos.
Dondequiera que descanse,
su sombrero siempre fue su hogar.
(Y cuando murió) lo único que dejó
es a nosotros solos".




lunes, 23 de mayo de 2016

Del 4 de noviembre al 1 de diciembre de 1972 I can see clearly now / Johnny Nash


Nos estamos acercando raudos y veloces al final del año 1972 y seguimos encontrando canciones que llegaron al número 1 y que hoy en día siguen ocupando páginas de la historia moderna de la música.
Se mantuvo 4 semanas en el nº1 del HOT100 de Billboard, una hazaña conseguida por muy pocos: era el joven Johnny Nash y su reggae "I can see clearly now".

Aunque ésta canción ha sido versionada por otros intérpretes como Jimmy Cliff, el compositor y primer intérprete en grabarla y llevarla al éxito fue Johnny Nash.

"I can see clearly now" estaba incluída en el álbum del mismo nomnbre grabado en 1972, alcanzando las listas de éxitos tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido.

Johnny Nash, es un cantautor de reggae estadounidense. Fue uno de los primeros cantantes no jamaicanos en grabar música reggae, fruto de su colaboración con Bob Marley a finales de la década de 1960.
El álbum I Can See Clearly Now incluye cuatro canciones compuestas por Marley, incluyendo «Stir It Up», que sería la cara B del sencillo del álbum.




sábado, 21 de mayo de 2016

Del 21 de octubre al 3 de noviembre de 1972 My Ding-A-Ling / Chuck Berry


No sólo sube al número 1 de la lista de Billboard sino que también se mantiene un par de semanas en ese lugar de honor con una canción que tiene su historia, tal como ahora recogeremos. Estamos hablando del único, del genuino Chuck Berry y su canción "My Ding-A-Ling".


Chuck Berry había trabajado con la discográfica Chess en la década anterior y en 1970 volvió a firmar contrato con ella, lanzando ese mismo año el álbum Back Home
Dos años después, el guitarrista lanzó la canción "My Ding-a-Ling", que se transformó en su único sencillo en alcanzar la primera posición en la lista de ventas de Billboard. 

Grabada originalmente en 1952 por Dave Bartholomew, la canción fue incluida por Berry en su disco de 1968 From St. Louis to Frisco, rebautizada como "My Tambourine". Sin embargo, la versión que alcanzó el éxito de ventas fue una grabada en febrero de 1972 durante un concierto en Coventry (Inglaterra), que fue incorporada en el álbum The London Chuck Berry Sessions.

 La letra de la canción causó controversia al utilizar un doble sentido que hacía referencia al aparato reproductor masculino, lo que llevó a la activista británica Mary Whitehouse a intentar censurarla de las radios de aquel país. La petición de Whitehouse fue desestimada por la BBC.

Es evidente que si la letra de la canción fue problemática, queremos saber la razón, así que aquí os dejamos esa letra en español:

Cuando era un niño de teta
Mi abuela me compró un lindo juguete
Campanas de plata colgando de un hilo
me dijo que era mi ding a ling a ling
o mi ding a ling,
Quiero jugar con mi ding a ling

Entonces mamá me llevó a la escuela dominical
intentaron enseñarme las normas
pero cada vez que cantaba el coro
sacaba mi ding a ling a ding

Entonces mamá me llevó a la escuela de gramática
Pero paré en el vestíbulo
cuando escuché el timbre
y me atraparon jugando con mi ding a ling a ling

Una vez que estaba escalando el muro del jardín
Me resbalé y tuve una caída muy fuerte
Me quedé tan dolorido que me parecía escuchar campanas
Pero me agarré a mi ding a ling a ling

Recuerdo a la vecinita
Jugábamos en la cocina de su casa
Ella sería la reina y yo sería el rey
Y dejé que jugara con mi ding a ling ling

Una vez estaba nadando
Y sentía los peces alrededor de mis pies
Era difícil nadar entre los peces
mientras sostenía con ambas manos mi ding a ling a ling…

(…la canción continúa con varios versos más de similares características…)







viernes, 20 de mayo de 2016

Del 14 al 20 de octubre de 1972 Ben / Michael Jackson


Se hace raro, mirándolo desde nuestra posición en el tiempo, es decir, décadas después, que la canción "Ben" de Michael Jackson, estuviera 16 semanas subiendo poco a poco en la lista de Billboard hasta conseguir por fin alzarse con el número 1 y que éste le durara tan sólo siete días... pero así sucedió por mucho que nos sorprenda. Eran los inicios de una gran e irrepetible carrera.

"Ben" fue la canción de mayor éxito del segundo álbum en solitario de Michael Jackson que también da título al álbum. Cuando salio el álbum en 1972 Michael tenía tan sólo 13 años.

Ésta sería la primera de trece canciones de Michael Jackson en llegar al número uno en Estados Unidos.

La canción ganó un Globo de Oro por mejor canción original y estuvo nominada para un Óscar por mejor canción original. Era el tema principal de una película también llamada Ben, secuela del film Willard.

El álbum vendió 4,4 millones de discos en todo el mundo, 3,3 millones de ellos en EE.UU.




jueves, 19 de mayo de 2016

Del 23 de septiembre al 13 de octubre de 1972 Baby, Don't Get Hooked on Me / Mac Davis


Llegamos ahora a un caso excepcional, al menos visto desde la óptica europea e incluso más concentrada, desde la visión española. Una canción y un intérprete que fuera de Estados Unidos no tuvo nunca demasiada repercusión pero que allí se alzó con el número 1 del HOT100 durante 3 semanas. Él se llama Mac Davis y su tema  "Baby, Don't Get Hooked on Me".

Mac Davis es un cantante y compositor de pop y country que escribió "Baby, Don't Get Hooked on Me", canción que incorporó a su primer álbum y que compuso porque su sello discográfico le pidió que les presentara un tema con un estribillo que tuviera "gancho".

Si queréis juzgar si es una canción con gancho o no, aquí tenéis el video con la interpretación en directo:



Del 16 al 22 de septiembre de 1972 Black & White / Three Dog Night


Estamos en un momento del año 1972 en el que triunfa la canción con contenido social, y lo hace recuperando un tema compuesto casi veinte años antes. Llegan al primer lugar, a lo más alto de la lista de Billboard los componentes del grupo Three Dog Night, con "Black&White".
Estarán ahí durante siete días.

Black&White es una canción compuesta en 1954 por David I. Arkin and Earl Robinson.
Earl Robinson fue el primero en grabarla, muchos años antes de que Three Dog Night la recuperaran e hicieran una versión que llegó a lo más alto del HOT100.

El tema de la canción está basado en la decisión de la Corte Suprema de los Estados Unidos en el caso “Brown contra la Junta Educativa” que sentenció a favor de acabar con la segregación racial en las escuelas americanas.

Ya que la letra de la canción es primordial, os dejamos la traducción de la misma:

La tinta es de color negro,  la página es de color blanco
Juntos vamos a aprender a leer y escribir
Un niño es negro,  otro niño es blanco
Los ojos del mundo entero miran algo tan hermoso

Y ahora, un niño puede entender
Que esta es la ley de toda la tierra, toda la tierra

El mundo es de color negro, el mundo es de color blanco
Y eso es así de día y de noche
Un niño es negro,  otro niño es blanco
Juntos crecen y lo ven sin diferencia

Y ahora por fin podemos verlo claro
Bailaremos el baile de la Libertad, Libertad! 

Vamos, lo entiendo, lo entiendo
Ohh, ohhhh, sí, sí
Sigue así ahora, en todo el mundo
Niños y niñas
Sí, sí-eah, oh-ohhh




miércoles, 18 de mayo de 2016

Del 29 de julio al 15 de septiembre de 1972 Alone Again (Naturally) / Gilbert O'Sullivan


Uno de los hitos más importantes del año 1972 fue el conseguido por un cantautor de origen irlandés que compuso, interpretó y llevó al éxito internacional una canción que incluso hoy en día sigue siendo un referente para millones de personas: Gilbert O'Sullivan y "Alone Again (Naturally)".
Ese logro del que hablábamos es el de permanecer seis semanas en el nº1 de la lista del HOT100 Billboard.

Vamos a saber un poco más de éste irlandés que consiguió asaltar las listas y los corazones de tantos seguidores a lo largo de todo el mundo:

Gilbert O'Sullivan nació en WaterfordIrlanda, siendo el segundo hijo de seis hermanos. Su familia, en búsqueda de convenientes mejoras de vida, decidió mudarse en 1953 a Swindon, ciudad perteneciente al condado Wiltshire, en Inglaterra. Ahí, se formó en la escuela St Joseph's, en donde desarrolló su interés indeleble en la música y el arte. Luego en la academia de arte de Swidon, tempranamente aprendió a tocar guitarra y posteriormente el piano. Además, tocó la batería en una banda llamada Rick's Blues creada por Rick Davies (fundador de la banda de rock progresivo Supertramp).

En 1970 logró el éxito con el primer single “Nothing Rhymed”, un bonito tema con piano que le llevaría al puesto número 10 en el Reino Unido. La melodía exquisita y los arreglos orquestales junto a sus apariciones televisivas, en las cuales Gilbert aparecía con una extravagante estética, con pantalones cortos, jerseys con la letra G estampada y peinado a la taza, apuntalaron su fama en tierras británicas.

En 1971 logró de nuevo estimables resultados comerciales con otra balada, “We will” (número 16), y con “No matter how I try” (número 5), pieza más animada con ecos de cabaret.
Ese año también apareció el single “Underneath the blanket go” y el LP “Himself” (1971), álbum (número 15) producido por Mills en el que incluía “Matrimony”, uno de los temas más populares de su carrera.

Siendo ya una estrella en Gran Bretaña,  Gilbert O’Sullivan alcanzó el éxito internacional en 1972 cuando el tema, (todo un clásico de la época), “Alone again (Naturally)”, llegó al número 3 en el Reino Unido y al número 1 en los Estados Unidos, así como consiguió ser "Canción del Año" en varios países de todo el planeta.

Esta canción hizo que O'Sullivan fuera conocido en ambos lados del Atlántico. Una melancólica mirada a desaparición y la  pérdida. Sólo en los Estados Unidos, el sencillo vendió más de dos millones de copias.

Quizá Alone Again (Naturally) permanecerá como su mejor canción.
 "Es solo una canción. Cuando fue grabada, nadie diría que esta melodía fuera a cambiar el mundo", diría posteriormente O'Sullivan.


Y ¿qué historia explica la canción? Aquí tenéis la letra traducida al español…

Dentro de poco tiempo
Si continúo tan triste y deprimido
Prometo darme un capricho
Visitar una torre cercana
Y subiendo hasta el tejado
Me tiraré

En un esfuerzo por dejar claro a quien sea
Lo que se siente cuando estás destrozado
Mirando la realidad cara a cara
En una iglesia con la gente diciendo:
Señor, qué duro, ella lo ha abandonado
No vale la pena que nos quedemos
Lo mejor es que nos vayamos a casa
Como hice yo mismo
Solo otra vez, naturalmente

Pensar que ayer mismo
Estaba feliz, radiante y contento
Esperando con ilusión, bien, ¿quién no lo haría?
El papel que estaba a punto de jugar
Pero, como para derrumbarme
La realidad llegó
Y sin más, con un simple toque
Me hizo pedazos
Dejándome con la duda…
Hablan sobre la piedad de Dios
Si realmente existe,
¿Por qué me ha abandonado?
Y en mi hora de necesidad
Estoy realmente, de verdad,
Solo otra vez, naturalmente.

Me parece que hay más corazones
Rotos en el mundo de los que pueden arreglarse
Abandonados a su suerte
¿Qué hacemos?
¿Qué hacemos?

Solo otra vez, naturalmente

Ahora, repasando mi vida
Y rememorando las cosas que sucedieron
Recuerdo que lloré cuando mi padre murió
Nunca quise esconder las lágrimas
Y a los sesenta y cinco años de edad
Mi madre, Dios la tenga en su gloria,
No podía entender por qué el único hombre
Que había amado le había sido arrebatado
Abocándola a recomenzar
Con un corazón terriblemente destrozado
A pesar de mi apoyo

Nunca se pronunció ni una palabra
Y cuando ella dejó este mundo
Lloré y lloré todo el día
Solo de nuevo, naturalmente
Solo de nuevo, naturalmente



martes, 17 de mayo de 2016

Del 8 al 28 de julio de 1972 Lean on me / Bill Withers


Estamos en la canícula del verano de 1972 cuando echamos una ojeada a la lista y nos encontramos con la novedad de que Bill Withers ha subido al número 1 con una canción titulada "Lean on me"(presentada en España como "Apóyate en mí").
Y no sólo sube sino que además se queda firme ahí, en el primer lugar durante 3 semanas.

Ésta canción es una melodía versionada por muchas voces famosas en diferentes etapas entre lo años 70 y nuestros días y si por el nombre o por el intérprete no te acabas de situar, escucha el vídeo que colocamos más abajo y comprobarás que la conoces sobradamente.

William Harrison Withers, Jr. (n. 4 de julio de 1938), más conocido como Bill Withers, es un músico y cantautor estadounidense famoso en las décadas del 70 y 80. Algunas de sus canciones más reconocidas son "Lean on Me", "Ain't No Sunshine", "Use Me", "Just the Two of Us", "Lovely Day" y "Grandma's Hands".

Withers trabajó como ensamblador en diferentes empresas, incluida la Douglas Aircraft Corporation, mientras que grababa maquetas con su propio dinero e interpretaba sus canciones en clubes nocturnos. Cuando debutó con su canción "Ain't No Sunshine", se negó a dejar su trabajo ya que él creía que la música era una industria voluble y se consideraba aún un novato en comparación con otros artistas.

A comienzos de 1970, la maqueta de Withers fue muy bien acogida por Clarence Avant, de Sussex Records, y Withers firmaría un contrato discográfico. Booker T. Jones sería el elegido para producir el primer álbum.

 Withers grabó su segundo álbum en 1972, “Still Bill”. El single «Lean on Me» (Apóyate en mí) llegó al número uno el 8 de julio de 1972. Fue disco de oro con ventas confirmadas en más de tres millones de copias.


"Lean on Me" también fue interpretado por diversos artistas incluyendo Mud (1976), Al Jarreau (1985), DC Talk (1992), Michael Bolton (1993), Bonnie Tyler (2003), Anne Murray (1999), 2-4 Family (1999), The TemptationsMitchel Musso para la banda sonora deSnow Buddies (2008), Seal (2011), y Kid RockSheryl Crow, y Keith Urban versionaron la canción en 2010 para el teletón Esperanza para Haití ahora: Un Beneficio Global para el Socorro por el Terremoto entre otras.




lunes, 16 de mayo de 2016

Del 1 al 7 de julio de 1972 Song Sung Blue / Neil Diamond


La verdad es que viendo la lista de Billboard se nos hace raro comprobar que "Song Sung Blue" de Neil Diamond sólo se mantuviera una semana, siete días en el número 1 del HOT100. Siendo un tema que sonó tanto y se hizo tan popular podríamos haber esperado un mayor éxito en lo alto de la lista, pero la historia ya está escrita y no fue así.

"Song Sung Blue" es una canción compuesta e interpretada por Neil Diamond, basada en el segundo movimiento del concierto número 21 para piano de Mozart. La canción fue incluída en el álbum "Moods" y después se publicó como single y se incluyó en varios recopilatorios del cantante.

Es cierto que sólo estuvo 1 semana en el número 1 del HOT100 Singles pero también hemos de decir que se mantuvo en el número 1 del ranking del "Adult Contemporary" durante 7 semanas, ni más ni menos.

Otros intérpretes, en años posteriores, versionaron la canción: Andy Williams, Sacha Distel, Bobby Darin y Frank Sinatra.

Finalmente deberíamos hacer un apunte biográfico de Neil Diamond:

Neil Leslie Diamond (24 de enero de 1941BrooklynNueva York) es un  cantantecompositorguitarristaactor y productor estadounidense.

Sus composiciones en diversos géneros musicales como el rock, R&B, folk, pop, country, gospel, jazz, funk, reggae, balada, entre otros, han influido a artistas tales como: The MonkeesElvis PresleyU2Frank SinatraThe VenturesUB40Julio Iglesias y Johnny Cash.

Neil Diamond es considerado como uno de los más grandes compositores de la era moderna, además de ser uno de los más grandes vendedores de álbumes de la historia de la música.






domingo, 15 de mayo de 2016

Del 10 al 30 de Junio de 1972 The Candy Man / Sammy Davis Jr. with The Mike Curb Congregation


Llegamos al verano del año 1972 y ahí está, encabezando la lista de los más populares, el ránking de mayor prestigio del mundo, "The Candy Man" una canción que ha sobrevivido a décadas de música y que conseguía el número 1 durante 3 semanas interpretada por Sammy Davis Jr.

Samuel George "Sammy" Davis Jr. (Harlem8 de diciembre de 1925 – Beverly Hills16 de mayo de 1990) fue un cantante, músico multi-instrumentista (vibráfonotrompeta y batería), bailarín, actor y comediante estadounidense.

Fue parte del "Rat Pack" que dentro de sus miembros estaban Frank SinatraDean MartinPeter Lawford y Joey Bishop.

A lo largo de las décadas de 1970 y 80, el polifacético Davis continuó su prolífica producción. Mantuvo su carrera musical, lanzando álbumes en los últimos años 70 y consiguiendo su primer # 1 en 1972 con  "Candy Man".

“The Candy Man” es una canción que apareció por primera vez en 1971 en la banda sonora de la película de quel mismo año Willy Wonka & the Chocolate Factory.

La canción fue escrita específicamente para la película donde la cantaba Aubrey Woods.

Pero “The Candy Man” ha sido siempre más recordada por la versión que cantó Sammy Davis Jr. 

Dice la historia que el cantante comentaba públicamente el odio que le tenía a la canción, que le parecía muy edulcorada pero paradójicamente, fue con ella con la que consiguió su único nº1 en las listas americanas.



Del 2 al 9 de junio de 1972 I'll Take You There / The Staple Singers


Continuamos revisando la lista del HOT100 Singles y encontramos a The Staple Singers, un grupo de soul que se encaramó al número 1 durante siete días en los inicios del mes de junio de 1972 con su canción "I'll Take You There".

The Staple Singers fue un grupo estadounidense originarias de la ciudad de ChicagoIllinois. Su estilo musical son el gospelsoul y R&B.

Roebuck "Pops" Staples (1914 - 2000), el jefe de la familia, formó un grupo con sus hijas Cleotha (1934 - 2013), Pervis (1935), Yvonne (1936) y Mavis (1939). Ellas son más conocidas por sus éxitos de la década de 1970 "I'll Take You There", "Respect Yourself" y "Let's Do It Again".

Mavis Staples (ChicagoIllinoisEstados Unidos10 de julio de 1939) es una cantanteactriz y activista estadounidense que ha grabado y tocado tanto con su banda familiar, The Staple Singers, como en solitario.

Con la voz de Mavis, los Staples Singers evolucionaron a partir de populares canciones gospel,  hasta convertirse en el grupo espiritual más influyente de los Estados Unidos.

A mediados de la década de 1960, inspirados por Martin Luther King, amigo de Pops Staples, se convirtieron en una de las voces espirituales y musicales del movimiento por los derechos civiles.




sábado, 14 de mayo de 2016

Del 27 de mayo al 2 de junio de 1972 Oh Girl / The Chi-lites


Tras el indiscutible éxito de permanencia en el número 1 de la lista, Roberta Flack entregó el testigo al grupo Chi-lites que alcanzó el lugar de honor del ranking de Billboard con su canción "Oh Girl", que estuvo una semana en él.

"Oh Girl" fue un single grabado por el grupo vocal de soul Chi-lites e incluído en su álbum "The Lonely man" del año 1972.

La canción se situó también en la lista de R&B singles de Billboard y ocupó durtante dos semanas el primer lugar.

Los "Chi-lites" son un cuarteto de R&B  creado en Chicago, Illinois.  Sus años de fama empezaron a principios de los setenta siendo uno de los pocos grupos de aquella época que no llegaba desde Memphis ó Filadelfia.

El grupo se había formado allá por 1950 en el Hyde Park High School con el nombre de "The Chanteurs".
Más adelante, cuando entraron otros componentes en el grupo, cambiaron su nombre por el de Hi-Lites y cuanndo comprobaron que ese nombre ya estaba siendo utilizado, y queriendo homenajear a la ciudad que les había visto nacer como músicos, cambiaron finalmente su nombre por el de "Chi-Lites"en 1964.

En 1971 consiguieron su primer gran éxito con "Have you seen her" y en 1972 repitieron experiencia con "Oh Girl".  Cada una de las canciones vendió más de un millón de copias y el grupo recibió un disco de oro por cada canción.



viernes, 13 de mayo de 2016

Del 15 de abril al 26 de mayo de 1972 The First Time Ever I Saw Your Face / Roberta Flack


6 semanas, ni más ni menos, 6 semanas ocupando el nº1 del HOT100 de Billboard, seis semanas sin que ningún otro intérprete ni canción pudiera superar uno de los temas más famosos de la música de los últimos cincuenta años. "The First Time Ever I Saw Your Face" con Roberta Flack.

"The First Time Ever I Saw Your Face" es una canción folk de 1957 escrita por el compositor Ewan MacColl para Peggy Seeger, quien más tarde se convertiría en su esposa. Aunque al tiempo que ambos eran amantes, MacColl estaba casado con otra mujer.

MacColl escribió la canción para Seeger, también cantante de folk, después de que ella le pidió a escribir una canción para una obra de teatro en la que actuaba. MacColl escribió la canción y se la enseñó a Seeger por teléfono. Otra versión acerca de la creación de esta canción dice que MacColl fue desafiado por un amigo a escribir una canción de amor, que no estuviera relacionada con la política. Esta canción fue el resultado.

MacColl y Seeger incluyeron la canción en su repertorio, mientras actuaban en clubes folk en Gran Bretaña. Durante la década de 1960, fue grabada por varios cantantes folk (incluyendo una versión con un solo de guitarra instrumental de Bert Jansch).

La canción entró en la corriente principal del pop cuando fue publicada por Roberta Flack, en 1972. La versión de Flack fue mucho más lenta que la original: una primera grabación en solitario de Seeger, por ejemplo, duró menos de dos minutos y medio de largo, mientras que la de Flack tiene más del doble de duración. La canción fue posteriormente grabada por numerosos otros artistas.
MacColl supuestamente odiaba casi todas las grabaciones de la canción, incluyendo la de Flack. 

Su nuera lo citó diciendo:
"Él las odiaba a todas. Tenía una sección especial en su colección de discos para ellos, titulada "La Cámara de los Horrores". Dijo que la versión de Elvis fue como Romeo al pie de la Post Office Tower cantándole a Julieta. Y las otras versiones, pensaba, eran travestis: contundentes, histriónicas y carentes de gracia".

Otros apuntes relacionados con The First Time Ever I Saw Your Face:

La canción fue popularizada por Roberta Flack y se convirtió en un éxito de la cantante después de que apareció en la película "Play Misty for Me" (Escalofrío en la noche, en español). Aunque la canción apareció por primera vez en 1969 en el álbum de Flack, "First Take", la versión de Flack no encabezó los Billboard Hot 100 y ganó el Premio Grammy por Canción del Año sino hasta tres años más tarde.

La versión más lenta y sensual de Flack fue utilizada por Clint Eastwood en 1971 en su debut como director de "Play Misty for Me" durante una escena de amor. Con la nueva exposición, Atlantic Records acortó la canción a cuatro minutos y lo lanzó a la radio. Se convirtió en un gran éxito en los Estados Unidos, alcanzando el número uno en el Billboard Hot 100 y en Easy Listening charts en abril de 1972 por seis semanas consecutivas en cada uno.  Alcanzó el número catorce en el UK Singles Chart.



Del 25 de marzo al 14 de abril de 1972 A Horse With No Name / America


Semana tras semana en la lista de nºs 1 de Singles en Billboard vamos encontrando canciones que consiguieron situarse en lo más alto de la lista y que pasados más de 40 años siguen siendo absolutos iconos de la música.
Es lo que sucede cuando nos encontramos con el primer lugar que consiguieron y mantuvieron durante 3 semanas los componentes de América con su "A Horse With No Name".

"A Horse with No Name" es una canción de la banda America escrita por Dewey Bunnell. Publicada en 1972, fue su primer y más exitoso sencillo. Alcanzó el número uno en las listas de varios países y fue disco de oro por la Recording Industry Association of America.

El álbum de debut de America, titulado como el propio grupo, fue publicado en primer lugar en Europa, donde consiguió apenas un éxito moderado con "A Horse with No Name".
Esta canción fue el fruto de la búsqueda de una canción que se hiciese popular tanto en Estados Unidos como en Europa. "A Horse with No Name" fue titulada en principio "Desert Song" y fue escrita en el estudio de la casa de Arthur Brown enPuddletownDorset.

Las dos primeras demos las grabaron allí Jeff Dexter y Dennis Elliott. En ellas se intentó dar la sensación del desierto seco y caluroso que aparecía en la pintura de Salvador Dalí, presente en el estudio, y un extraño caballo creado por M. C. Escher.

El autor, Dewey Bunnell también dijo que recordó sus viajes de infancia por el desierto de Arizona y Nuevo México cuando su familia vivía en la Base Aérea de Vandenberg.

A pesar de que la canción fue vetada en algunas radios de los Estados unidos (o quizá gracias a ello) a causa de sus supuestas referencias al consumo de drogas, pues horse es una forma de referirse a la heroína la canción llegó al número uno del Billboard Hot 100 de los Estados Unidos y llegó rápidamente a ser disco de platino. Había alcanzado antes el número 11 en los Países Bajos, y el 3 en el Reino Unido.

El parecido de la canción con algunas de Neil Young generó cierta polémica. «Sé que prácticamente todo el mundo, en una primera audición, asumió que era de Neil» dijo Bunnell. «Nunca escondí el hecho de que me inspiró. Creo que está en la estructura de la canción tanto como en el tono de su voz. Dolió un poco, porque nos atacaron de forma bastante violenta. Siempre lo he atribuido a que la gente protegía a su héroe más que a que me quisiesen atacar». Casualmente fue "A Horse with No Name" la canción que reemplazó a Heart of Gold, de Young en el número 1 de los Estados Unidos.

"A Horse with No Name" ha sido criticada por su letra redundante y simplista, que incluye fragmentos como "The heat was hot" (el calor estaba caliente) o "There were plants, and birds, and rocks, and things" (Había plantas, y pájaros, y rocas, y cosas).   Randy Newman la describió en una ocasión como una canción «sobre un niño que ha tomado ácido». El cómico Richard Jeni se burló de su título. "Estás en el desierto, no tienes nada más que hacer, ¡Ponle un nombre al maldito caballo!".



jueves, 12 de mayo de 2016

Del 18 al 24 de marzo de 1972 Heart of gold / Neil Young


Fue en la semana de la bienvenida a la primavera de 1972 cuando Neil Young ascendió al número 1 de la lista de singles de Billboard con su irrepetible "Heart of gold".

"Heart of Gold" es una canción del músico canadiense Neil Young, publicada en su álbum Harvest en 1972. Ha sido el único sencillo de Young en alcanzar el número uno en los Estados Unidos. La revista Rolling Stone la colocó en el puesto número 297 en su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiemposJames Taylor y Linda Ronstadt aparecen como invitados especiales cantando los coros.

Esta canción pertenece a una serie de temas acústicos compuestos por Young debido a una lesión de espalda que le impedía mantenerse en pie durante largos periodos de tiempo. Como resultado de estos dolores, Young dejó de lado la guitarra eléctrica y se centró en la acústica, que podía tocar mientras estaba sentado.

"Heart of Gold" fue grabada en 1971 en los estudios Quadrafonic de NashvilleTennessee, en las primeras sesiones de grabación de Harvest. En esa época James Taylor y Linda Ronstadt se encontraban en Nashville para colaborar en el programa de televisión de Johnny Cash, y el productor Elliot Mazer consiguió convencerles para grabar con Young. 
Originalmente, "Heart of Gold" iba a hacer de transición tras "A Man Needs a Maid" e iba a ser tocada al piano, y así fue interpretada en los primeros conciertos en solitario de Young en 1971, pero abandonó este instrumento en favor de la guitarra antes de incluirla en el disco.

En referencia a esta canción, Neil Young escribió en el libreto del recopilatorio Decade: "Esta canción me puso en el centro de la carretera. Viajar por ahí pronto se convirtió en un aburrimiento así que me dirigí a la cuneta. Fue un viaje más duro pero vi a gente más interesante ahí".

En 1985, Bob Dylan admitió que siempre odió esta canción a pesar de gustarle Neil Young: "La única vez que me molestó que alguien sonara como yo fue cuando estaba viviendo en Phoenix, Arizona, hacia el '72 y la gran canción en esa época era 'Heart of Gold'. Odiaba que la pusieran en la radio. Siempre me gustó Neil Young, pero me molestaba cada vez que escuchaba 'Heart of Gold'. Me decía a mí mismo : 'Joder, ese soy yo. Si suena como yo, también debería estar yo'".




miércoles, 11 de mayo de 2016

Del 19 de febrero al 17 de marzo de 1972 Without you / Nilsson


Parece que fue ayer pero no, fue exactamente en los primeros meses de 1972 cuando ésta canción, que ha llegado a nuestros dias como todo un clásico, conseguía alzarse con el número 1 del Billboard y mantenerse ahí ni más ni menos que 4 semanas: "Without you" interpretada por Nilsson.

Without You”(en español: sin ti) es una canción grabada originalmente por Badfinger para su álbum No Dice (1970), escrita por Peter Ham y Tom Evans y producida por Geoff Emerick. Ham compuso la letra, titulada inicialmente "If It's Love", pero carecía de un estribillo con fuerza.
 Evans, por su parte, había escrito un estribillo de estas características, pero le faltaba las estrofas adecuadas, por lo que decidieron unir las dos partes. El protagonista de esta balada le dice a su amada que "no puedo vivir si tengo que vivir sin ti".

Harry Nilsson, en su momento conocido por su éxito Everybody's Talkin' y por componer canciones como One” para Three Dog Night, escuchó la grabación de Badfinger de Without You” en una fiesta y decidió quedársela para ofrecérsela posteriormente a The Beatles

Más tarde, después de darse cuenta de que no era adecuada para el grupo, decidió hacer una versión él mismo para su álbum Nilsson Schmilsson (1971). Fue número uno en la lista estadounidense Billboard Hot 100 durante cuatro semanas.  En Reino Unido, la canción permaneció cinco semanas en la primera posición, a partir del 11 de marzo de ese mismo año, y vendió casi 800.000 copias. 

El single fue producido por Richard Perry, quien posteriormente afirmó, "Se trataba una canción diferente para aquella época. Era una gran balada con ritmo muy marcado y, aunque muchos artistas han compuestos canciones similares desde entonces, nadie hasta ese momento lo había hecho".  Gary Wright, conocido entonces por pertenecer al grupo británico Spooky Tooth y posteriormente convertirse en un exitoso artista en solitario, tocó el piano en la grabación de la versión de Nilsson.

A pesar de que Nilsson apenas la interpretó en directo, sí lo hizo con Ringo Starr y su grupo All-Starr Band en el Caesar's Palace de Las Vegas en septiembre de 1992, además de cantarla en varias fiestas de fans de The Beatles.

Versiones:

El cuarteto musical Il Divo compuesto por cuatro cantantes masculinos: el suizo Urs Bühler, el español Carlos Marín, el estadounidense David Miller y el francés Sébastien Izambard, versionaron a cuatro voces melódicas el tema, incluido en su álbum Siempre de 2006.

Mariah Carey produjo, junto a Walter Afanasieff, la versión de la canción que incluyó en el álbum Music Box. La producción está basada en la versión de Harry Nilsson, siendo una de las canciones de estilo soft rockmás marcado de Carey. En esta balada, la cantante exhibe su voz desde notas muy graves a las más altas durante toda la canción.

A éstos hay que añadir más de 20 intérpretes que también, a lo largo de los años, han grabado su propia versión del tema.






Del 12 al 18 de Febrero de 1972 Let's Stay Together / Al Green


Seguimos repasando el calendario del ranking de 1972 en el HOT100 Singles de Billboard y llegamos al número 1 que consiguió el músico de color Al Green con su "Let's Stay Together" que estuvo en lo más alto durante siete días.

Let's Stay Together es una canción de Al Green de su álbum de 1972 del mismo nombre .
La fecha de lanzamiento como single fue en 1971, la canción alcanzó el puesto # 1 en el Billboard Hot 100 y también encabezó la cartelera de R & B durante nueve semanas.

Albert Greene (Forrest CityArkansas13 de abril de 1946), mejor conocido con el nombre artístico de Al Green, es un cantante y compositor estadounidense. La mayoría de sus interpretaciones musicales pertenecen a los géneros gospel y soul.

Ha sido vastamente reconocido por fusionar estos diferentes estilos musicales entre sí, logrando la unión de lo secular con lo religioso. Durante los años 1970s obtuvo su mayor éxito, convirtiéndose en uno de los músicos con más superventas de esa época.  
En el año 2008, Green recibió un premio por toda su trayectoria artística llamado Lifetime Achievement Award durante el evento de premiación BET Awards. Su estilo vocal ha sido descrito como un áspero y cálido barítono y un etéreo falsetto.

En el año 2004 la revista Rolling Stone lo colocó en el puesto 65 de su lista de los cien artistas inmortales (100 Greatest Artists of All Time).